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The Kid*

Réalisateur: Charlie CHAPLIN

avis: ★★★★★★

C'est le premier long-métrage de Charlie Chaplin, et l'on y retrouve les chorégraphies poétiques et la férocité jubilatoire qui ont fait le succès de ses courts-métrages. C'est avec ce film que Chaplin invente son véritable style de funambuliste, vacillant perpétuellement entre le mélodrame larmoyant et la comédie. Malgré une dernière partie onirique quelque peu poussive, le film touche par sa sincérité et sa tendresse, et comprend quelques scènes d'anthologie. C'est sans doute le premier authentique chef d'oeuvre de l'histoire du cinéma.

Date: 1922

Cadet d’eau douce

(Steamboat Bill, Jr.)

Réalisateur: Buster KEATON

avis: ★★★★★★

Moins célèbre que Le mécano de la Générale, ce film de Buster Keaton est un pur joyau. On y retrouve la structure habituelle des films de Keaton, mais une dimension supplémentaire est donnée grâce à la présence de la figure d'un père. Ce père, bourru et viril, est constamment mis en opposition à son fils aux manières trop délicates. Ce contraste est le ressort comique premier du film, mais donne également une nouvelle profondeur au personnage de Keaton. La scène finale, où le héros doit faire face à un cyclone dévastateur, est un sommet d'humour et d'ingéniosité technique,

Date: 1928

The cameraman*

Réalisateur: Buster KEATON

avis: ★★★★★★

Au-delà de la simple comédie romantique et d'une usine à gags absolument délirante, The cameraman est aussi une métaphore poétique sur le cinéma. C'est à la fois le dernier film de Buster Keaton et son chef d'oeuvre absolu. Il multiplie les prises de vue et les expérimentations visuelles dans une mise en abyme où son personnage, Shannon, est un photographe de l'ancienne école, sorte d'alter-ego de Buster Keaton, lui-même balayé par la naissance du cinéma parlant.

Date: 1929

Réalisateur: Merian C. Cooper Ernest B. Schoedsack

avis: ★★★★★★

Cette variation du thème de la Belle et la Bête est une date importante du cinéma : c'est à la fois le premier grand film de monstre et un jalon dans l'histoire des effets spéciaux. En revoyant le film aujourd'hui, on se rend compte de la qualité des trucages, qui servent un récit où l'émotion domine. La réussite du film tient avant tout dans la transformation du singe : d'abord animal apeuré, fasciné par la beauté de la jeune Ann Darrow, il devient sympathique et préférera se sacrifier plutôt que de blesser sa Belle.

Date: 1933

Soupe au canard

(Duck Soup)

Réalisateur: Leo McCAREY

avis: ★★★★★★

Dernier film des Marx Brothers qui les réunit au complet (Zeppo quittera ses frères après son dernier rôle de faire-valoir), La soupe au canard est aussi leur film le plus abouti. En 70mn, ce monument du gag parvient à donner le tournis. C'est une mitraillette à gags, un monument d'observation subtile et d'anarchie comique, qui contient quelques scènes d'anthologie qui marqueront l'histoire de la comédie.

Date: 1933

Les 39 marches*

(The 39 Steps)

Réalisateur: Alfred HITCHCOCK

avis: ★★★★★★

Quand Alfred Hitchcock réalise Les 39 marches, il a déjà plus de vingt long-métrages à son actif, dont la majorité explorent déjà ses thèmes de prédilection. Mais si Chantage ou Numéro 17 comportaient déjà quelques trouvailles géniales, aucun de ses films antérieurs n'est comparable à l'absolue réussite des 39 marches. C'est le film matriciel de toute son oeuvre, qui contient le ressort principal de ses plus belles réalisations : le personnage de faux coupable, accompagné d'une jeune femme qui lui permettra de s'en sortir. Ce film d'espionnage et d'aventure au rythme soutenu préfigure deux chefs d'oeuvres ultérieurs : Les enchaînés et La mort aux trousses.

Date: 1935

Les temps modernes*

(Modern Times)

Réalisateur: Charlie CHAPLIN

avis: ★★★★★★

Malgré l'invention du cinéma parlant, Charlot est de retour pour ce qui sera sa dernière apparition. On y retrouve sa légèreté acide, ici au service d'une dénonciation de l'aliénation des hommes par les machines. Dans quelques scènes spectaculaires, Charlie Chaplin oppose la candeur de son personnage à la pesanteur industrielle. Le film s'achève par une des plus belles fins de toute l'histoire du cinéma. En disant au revoir à son héros, le réalisateur lui donne pour la première fois la parole, mais Charlot débite dans une scène hilarante une sorte de charabia incompréhensible, une sorte d'équivalent sonore des pantomimes de Charlot.

Date: 1936

La grande illusion*

Réalisateur: Jean RENOIR

avis: ★★★★★★

Si les critiques lui préfèrent souvent La règle du jeu, autre film sur l'illusion, La grande illusion demeure le film le plus populaire et le plus humaniste de Jean Renoir. Les tentatives d'évasion et la chronique de la captivité des héros semble servir le discours du cinéaste : celui d'une humanité qui dépasse les frontières, sociales et géographiques. C'est un film sur l'amitié et la solidarité, bien sûr, mais qui contient sa part de noirceur. Et Jean Gabin, bouleversant, tient là l'un de ses plus grands rôles.

Date: 1937

Monsieur Smith au Sénat*

(Mr. Smith Goes to Washington)

Réalisateur: Frank CAPRA

avis: ★★★★★★

Ce n'est sans doute pas le film le plus subtil de Capra, et quelques passages traînent en longueur, mais c'est un pan de la mythologie américaine, et l'un des premiers grands films politiques de l'histoire. A la fois hymne à la gloire de la République et brulôt contre la corruption du système politique, le film est en équilibre permanent et tient essentiellement sur le rôle tout en candeur et en sincérité de James Stewart.

Date: 1939

Ninotchka

Réalisateur: Ernst LUBITSCH

avis: ★★★★★★

La seule présence de Greta Garbo dans son meilleur rôle comique suffirait à rendre ce film incontournable. Mais ce film de Lubitsch est surtout une merveille en terme d'écriture et de rythme. Sous ses atours de film d'espionnage, Ninotchka est avant tout une histoire d'amour qui se déroule dans le Paris des années 20. Lubitsch y ausculte avec acidité les contrastes entre les deux blocs idéologiques qui ne s'affrontent pas encore. Ce n'est pas un brûlot anti-communiste mais une comédie légère qui étudie les travers des deux camps avec une vivacité jubilatoire.

Date: 1939

The shop around the corner

Réalisateur: Ernst LUBITSCH

avis: ★★★★★★

Autant vous prévenir tout de suite, il n’y aura pas beaucoup de comédies sentimentales dans cette anthologie. Peut-être parce que cette comédie de Lubitsch a défini les codes du genre avec cet imbroglio sentimental à la fois drôle, malicieux et émouvant, et qu’aucun film de ce type n’a ensuite réussi à se hisser à ce niveau d’élégance et de charme. L’histoire semble simple : Alfred Kralik (James Stewart) travaille dans un magasin où la discipline règne. Au même moment, il tombe amoureux d’une mystérieuse correspondante, qui s’avère être la collègue auprès de qui il travaille et qu’il ne supporte pas...

Date: 1940

Réalisateur: Luis BUNUEL

avis: ★★★★★★

Ce sommet de l'art si particulier de Bunuel reprend à peu près toutes ses obsessions : sadisme, humour noir et catholicisme. Le film traite d'une jalousie paranoïaque avec une extrême précision.

Date: 1953

Fenêtre sur cour*

(Rear Window)

Réalisateur: Alfred HITCHCOCK

avis: ★★★★★★

Grand succès populaire d'Alfred Hitchcock, ce film est paradoxalement son oeuvre la plus expérimentale. C'est un film qui condense tout l'art du réalisateur. Sous le prétexte d'un film à suspense assez lent et empêché (le héros, photo-reporter, est cloué chez lui en chaise roulante), Hitchcock livre également toute une réflexion sur le cinéma comme acte de voyeurisme. Un film simple en apparence (un décor unique, un meurtre) mais qui est habité de multiples significations et symboles.

Date: 1954

Nuages flottants

(浮雲)

Réalisateur: Mikio NARUSE

avis: ★★★★★★

Cette chronique d'un amour est aussi une réflexion sur le temps qui passe et la passion qui s'étiole. Un mélodrame d'une grande beauté, tout en retenue et en délicatesse.

Date: 1955

Sueurs froides

(Vertigo)

Réalisateur: Alfred HITCHCOCK

avis: ★★★★★★

C'est sans doute le plus grand film de tous les temps, la matrice de tout un pan du cinéma contemporain. A partir d'une intrigue complexe, sans doute encore moins crédible que celle de L'inconnu du Nord-Express, Alfred Hitchcock s'affranchit des codes du film noir et tisse un scénario vertigineux, fait d'impasses, de faux-semblants et de mises en abyme. Chaque scène semble réinventer la grammaire du cinéma, autour de thématiques chères au réalisateur (la culpabilité, le voyeurisme, le fétichisme). Surtout, c'est le film qui a sans doute le plus marqué toute une génération de cinéastes fascinés par un cinéma noir qui explorerait ses propres confins (Lynch, De Palma, Chabrol, pour faire court).

Date: 1958

Mon oncle*

Réalisateur: Jacques TATI

avis: ★★★★★★

A la manière d'un Buster Keaton, le personnage de Monsieur Hulot inventé par Jacques Tati est à la fois rêveur et maladroit, et se retrouve confronté à des objets aussi fonctionnels qu'effrayants. Ce troisième long métrage, après Jour de fête et Les vacances de Mr Hulot, est sans doute le film le plus abouti de Jacques Tati. On y retrouve sa poésie désabusée et son délicieux sens de l'absurde, mis au service d'une satire féroce de la société de consommation et de la modernité.

Date: 1958

La soif du mal

(Touch of Evil)

Réalisateur: Orson WELLES

avis: ★★★★★★

Ce film moite et sombre dépeint à merveille l'ambiance d'une ville-frontière. La réalisation d'Orson Welles est brillante, et permet à ce thriller de série B d’accéder au rang de chef d’oeuvre du cinéma. C’est d’abord le portrait d’un flic corrompu (Orson Welles lui-même) et une histoire de perversion et de morale, comme dans tous les films noirs américains. Mais le film dépasse le cadre du cinéma de genre en offrant quelques prouesses virtuoses : plans séquence, effets sonores et visuels assez expérimentaux.

Date: 1958

Réalisateur: Michelangelo ANTONIONI

avis: ★★★★★★

A partir d'une simple histoire de disparition, Michelangelo Antonioni crée une brèche dans l'histoire du cinéma. En effet, cette disparition étrange ne sera pas résolue et intéresse finalement assez peu le réalisateur, qui se sert de cette intrigue pour plonger ses personnages dans une forme de détresse. Sa réalisation inventive noue en permanence des liens entre le paysage et les états d’âme des personnages. On se perd dans ce récit mystérieux, où les sentiments amoureux sont à la fois invisibles et terriblement présents. Un film fascinant et presque abstrait sur l'impossible communication entre les êtres.

Date: 1960

Le trou*

Réalisateur: Jacques BECKER

avis: ★★★★★★

Accusé d'avoir tenté d'assassiner sa femme, Claude Gaspard est enfermé à la prison de la Santé. Avec ses quatre compagnons de cellule, ils creusent un trou pour tenter de s'évader. En s'éloignant des codes du genre et en étirant les scènes, notamment par une description méthodique et minutieuse des étapes de l'évasion, Jacques Becker parvient à créer une forte tension dramatique. Jacques Becker est mort quelques semaines avant la sortie de ce film inspiré par la vie de son scénariste José Giovanni. Il laisse à la postérité ce film classique formellement, mais réalisé avec une précision d’orfèvre.

Date: 1960

À bout de souffle

Réalisateur: Jean-Luc GODARD

avis: ★★★★★★

Caméra à l'épaule et cinéma dans l'âme, Godard filme sur tout ce qui bouge. Si le premier film de Godard n'est sans doute pas le plus abouti du réalisateur, c'est un film charnière dans l'histoire du cinéma, imposant son style insolent et en perpétuel mouvement. Le film se présente à la fois comme une parodie de films noirs américains, mais aussi comme un presque-documentaire sur Paris. C'est un road trip, un film porté par un souffle indescriptible, un méta-film, un film d'amour aussi, mais A bout de souffle incarne surtout la quête d'un nouveau cinéma, inventif et libre, totalement désinhibé et débarrassé des carcans du cinéma hollywoodien.

Date: 1960

Psychose*

Réalisateur: Alfred HITCHCOCK

avis: ★★★★★★

Cette série B en noir et blanc est devenue un film culte grâce à la célèbre scène de la douche. Mais ce film est assez étonnant dans sa construction même. Psychose débute par l'histoire de Marion Crane (Janet Leigh), une jolie jeune femme qui dérobe une grosse somme d'argent à son patron avant de s'arrêter dans un motel. Chose inédite, cette héroïne typiquement hitchcockienne est rapidement tuée par un psychopathe, et la disparition de la jeune femme crée une césure à l'intérieur du film, en même temps qu'un sentiment de terreur chez le spectateur, englouti par les stridences de la musique de Bernard Herrmann. Au-delà de cette seule scène choc, une des scènes les plus importantes de l'histoire du cinéma, Hitchcock impose au public un nouvel archétype : la figure du serial killer, du monstre ordinaire.

Date: 1960

L’année dernière à Marienbad

Réalisateur: Alain RESNAIS

avis: ★★★★★★

Dans le cadre d'un palace baroque, un homme s'interroge. A partir de cette trame extrêmement mince, Alain Resnais interroge la notion de narration dans le cinéma. Pierre angulaire de la Nouvelle vague, ce film est construit à la manière des romans de Robbe-Grillet, qui signe le scénario. C’est à la fois d’une grande précision stylistique et très fantaisiste, presque onirique. Resnais embarque le spectateur dans un labyrinthe formel et éblouit par son audace et son étrangeté.

Date: 1961

Le goût du saké

(秋刀魚の味)

Réalisateur: Yasujiro OZU

avis: ★★★★★★

Un père se retrouve seul après le mariage de sa fille. Le dernier film d'Ozu, grâce à de longs plans mélancoliques, dresse le portrait d'un homme face à l'immensité du vide. Mais Le goût du saké est surtout le testament de toute une oeuvre, Ozu n’ayant cessé tout au long de sa vie de traiter de ces questions de mariage et de départ des enfants hors du cocon parental. Filmé à hauteur de tatami, la caméra d’Ozu observe cette société japonaise en pleine transformation, et nous offre son son film le plus abouti.

Date: 1962

Réalisateur: Alain RESNAIS

avis: ★★★★★★

Muriel est un film étrange aux significations multiples. Mais c'est avant tout selon moi un film sur le temps. Alain Resnais filme Boulogne-sur-Mer comme un personnage principal, mais il filme aussi la mémoire de cette ville. Les deux êtres qui se croisent dans cette cité reconstruite après-guerre partagent une souffrance, et Resnais crée un langage cinématographique moderne et quelque peu abstrait pour rendre compte de leurs traumatismes.

Date: 1963

Pas de printemps pour Marnie*

(Marnie)

Réalisateur: Alfred HITCHCOCK

avis: ★★★★★★

J'ai une tendresse particulière pour ce film bancale, aux ressorts scénaristiques un peu trop prononcés et aux décors en carton pâte. Marnie est un peu une relecture de Vertigo, plus psychanalytique et moins subtile. Mais le héros joué par Sean Connery joue une partition aux multiples variations, et certaines scènes font partie des plus brillantes réalisées par Alfred Hitchcock.

Date: 1964

The servant*

Réalisateur: Joseph LOSEY

avis: ★★★★★★

Sur un scénario d'Harold Pinter, un face-à-face ambigu entre un valet son maître dans une luxueuse demeure londonienne. Cette confrontation sexuelle et sociale est une variation troublante sur le thème du maître et de l'esclave. La mise en scène de Losey utilise de nombreux reflets et des contre-plongées inquiétantes, et cette profusion d'effets déformants contraste avec le minimalisme des dialogues et la présence de nombreux silences.

Date: 1964

Embrasse-moi idiot

(Kiss Me, Stupid)

Réalisateur: Roman POLANSKI

avis: ★★★★★★

On retrouve dans ce film d'épouvante deux thèmes majeurs du cinéma de Polanski : la trahison et la folie. Son film est extrêmement bien construit, et la tension du début se transforme peu à peu en pure terreur.

Date: 1968

Faces

Réalisateur: John CASSAVETES

avis: ★★★★★★

Après Shadows, variation jazz qui brisait les règles du cinéma traditionnel, John Cassavetes densifie son cinéma et trouve son style avec Faces. C'est dans ce film que Cassavetes étudie avec le plus d'intensité le visage de ses comédiens. Le film traite principalement de la tension entre ce qu'on est et ce qu'on devient devant les autres. Les personnages de Faces, souvent filmés en gros plan, semblent en effet s'agiter comme des pantins et se forcer à s'amuser. On passe nerveusement de l'hystérie au malaise, du rire au désespoir, grâce notamment à des dialogues subtils.

Date: 1969

Réalisateur: Jerzy SKOLIMOWSKI

avis: ★★★★★★

Ce réalisateur polonais, scénariste du premier film de Polanski, réalise avec Deep End son premier film anglais. Ce film étonnant nous plonge dans l'existence d'un jeune garçon de 15 ans, prisonnier de ses désirs sexuels inassouvis. Voyeuriste, d'une grande mélancolie, ce film flotte dans une atmosphère trouble et a les allures d'un conte initiatique.

Date: 1971

Réalisateur: Martin SCORSESE

avis: ★★★★★★

Le film qui révéla avec fracas Martin Scorcese raconte l'histoire de truands au sein de la mafia new-yorkaise. Mean streets repose sur un duo tout en contrastes, entre un Charlie plutôt réfléchi et un Johnny Boy impulsif et insouciant. Ce film étonne par sa liberté de ton, sa joyeuse énergie et le jeu intense de Robert De Niro..

Date: 1973

Une femme sous influence*

(A Woman Under the Influence)

Réalisateur: John CASSAVETES

avis: ★★★★★★

Ce portrait d'une femme au bord de la folie est à la fois un sommet et une fin indépassable dans la carrière de Cassavetes. C'est un film assez âpre, difficilement soutenable, mais très hypnotique. Le style radical du réalisateur est ici porté à son paroxysme : gros plans exagérés, séquences étirées en longueur, atmosphère malsaine et personnages au bord de la rupture. L’égérie de Cassavetes, Gena Rowlands, y joue une femme pleine de vie, bouillonnante de sentiments, qui flirte avec les frontières de la folie. Cassavetes pose sa caméra sur son visage, comme un portraitiste du XVIème siècle, et y scrute toutes les ondulations, du doute au désespoir.

Date: 1974

La balade sauvage

(Badlands)

Réalisateur: Terrence MALICK

avis: ★★★★★★

Cette odyssée sauvage et violente est aussi magnifique que dérangeante. Martin Sheen crève l'écran avec ce rôle de rebelle constamment à cran. Inspiré par l'histoire de Bonnie and Clyde, ce film est à l'opposé de celui, assez académique, réalisé par Arthur Penn. La balade sauvage est certes un film assez effrayant mais qui produit à chaque scène une fascination étrange, notamment grâce aux contrastes saisissants entre la beauté de la nature et la sauvagerie du couple.

Date: 1974

Réalisateur: Woody ALLEN

avis: ★★★★★★

Ce film époustouflant est une mise en abyme, un autoportrait et une ode au 8 1/2 de Federico Fellini. Mais loin de la truculence boursouflée du cinéma du réalisateur italien, Woody Allen s'amuse et nous amuse avec un cinéma qui joue sur un fil, un cinéma à la fois comique et tragique, construit autour de citations multiples et de névroses obsessionnels. Peut-être le plus grand film de Woody Allen, et assurément l'un de ses plus personnels.

Date: 1980

De la vie des marionnettes

(Aus dem Leben der Marionetten)

Réalisateur: Ingmar BERGMAN

avis: ★★★★★★

Ce film de Bergman, tourné au départ pour la télévision allemande, est aussi méconnu qu’étonnant. Structuré comme un puzzle, c'est sans doute son film le plus sombre et la seule incursion du réalisateur suédois dans le thriller. Mais ce qui intéresse Bergman c'est d'entrer dans la psyché d'un tueur. A travers un dispositif complexe qui permet de fracturer le temps, on pénètre peu à peu dans la personnalité trouble d'un criminel qui a violé et tué une prostituée.

Date: 1980

Shining*

Réalisateur: Stanley KUBRICK

avis: ★★★★★★

Dans l'atmosphère froide d'un grand hôtel désert, un gardien isolé devient fou et menace sa propre famille. L'angoisse naît surtout de la géométrie des lieux, des travelling sidérants et du jeu diabolique de Jack Nicholson. Stanley Kubrick réussit le pari d'une adaptation d'un sommet du roman d'épouvante et surpasse Stephen King, en donnant à son excellent roman de genre une autre dimension, propulsant cette histoire de folie dans la mythologie contemporaine.

Date: 1980

Blow Out*

Réalisateur: Brian DE PALMA

avis: ★★★★★★

Dès le début, le film assume deux références qui pourraient être écrasantes : Psychose et Blow-up. Si Blow out condense toutes les motifs cinématographiques de Brian De Palma, c'est pourtant son film le plus fluide. Le cinéaste friand de films de genres reprend la trame du film d'Antonioni, en substituant au photographe un preneur de son (John Travolta). Il manipule le spectateur grâce à une virtuosité formelle époustouflante, et crée un film nocturne haletant et obsédant.

Date: 1981

Hôtel des Amériques

Réalisateur: André TECHINE

avis: ★★★★★★

Hôtel des Amériques est l’histoire d’une rencontre entre deux être inadaptés, deux personnes solitaires, hantées par leur passé. Cette étude précise des tourments de l’amour pourrait sembler quelconque, mais la poésie de Téchiné se déploie tout au long de ce récit splendide. Catherine Deneuve est renversante, Patrick Dewaere joue comme toujours sur un fil, distillant une forme d’inquiétude latente, mais le plus beau personnage est peut-être Biarritz, cette ville de bord de mer peuplée de fantômes.

Date: 1981

La femme d’à côté

Réalisateur: François TRUFFAUT

avis: ★★★★★★

Ce film sur un amour destructeur est sans doute le plus sombre de Truffaut. Alternant le chaud et le froid, Truffaut décrit une vie quotidienne emportée par le tourbillon d'une passion adultérine. Visuellement, ce film rompt avec la lourdeur esthétique du Dernier métro. La réalisation est souple et assez minimaliste, et l’utilisation d’une narratrice, elle-même personnage secondaire de cette histoire, permet au film de conserver une distance avec le réel et de s’élever au rang de conte moderne.

Date: 1981

Meurtre dans un jardin anglais*

(The Draughtsman's Contract)

Réalisateur: Alain RESNAIS

avis: ★★★★★★

C'est avec Mélo qu'Alain Resnais trouve la marque de fabrique de ces films à venir, ainsi que son trio d’acteurs fétiches (Sabine Azéma, Pierre Arditi, André Dussolier). S'il a toujours cultivé un goût pour l'artifice, en opposition à ses camarades de la Nouvelle Vague qui préféraient le réalisme et les décors naturels, il croise pour la première fois de manière aussi franche le théâtre et le cinéma. Mélo est un véritable labyrinthe mental, dans lequel Alain Resnais traite de ses sujets de prédilection : le hasard et la destinée.

Date: 1986

Faux-semblants*

(Dead Ringers)

Réalisateur: David CRONENBERG

avis: ★★★★★★

Dans ce film, tout est glaçant, du jeu absolument sidérant de Jérémy Irons aux instruments chirurgicaux qui ressemblent à des instruments de torture. La rencontre entre la mise en scène clinique de Cronenberg et ce sujet à la lisière du fantastique font de ce film dérangeant une profonde réflexion sur le double.

Date: 1988

Drowning by numbers*

Réalisateur: Peter GREENAWAY

avis: ★★★★★★

Cette généalogie de trois crimes par noyage est une variation délicieuse sur le crime et sur la matière baroque du cinéma de Greenaway. J'ai découvert par hasard le cinéma de Greenaway grâce à ce film mineur, parfois un peu étanche, mais d'une beauté plastique sidérante.

Date: 1988

Big

Réalisateur: Penny MARSHALL

avis: ★★★★★★

Cette comédie familiale est une grande réussite du cinéma populaire, et elle a véritablement imposé Tom Hanks comme un acteur majeur. Saisissant parfaitement les gestes et les manières d'un pré-adolescent, il joue le rôle d'un Candide au pays des jouets. A la fois divertissant et perturbant, ce film grand public est en filigrane un conte noir sur l'entrée dans le monde adulte.

Date: 1989

The Killer*

(喋血雙雄 )

Réalisateur: John WOO

avis: ★★★★★★

C'est grâce à ce film que le cinéma d'action de Hong-Kong connut le début d'une reconnaissance internationale. The killer met en scène un tueur à gages ayant le sens de l'honneur, joué par la star Chow Yun-Fat. C'est un déluge de cascades chorégraphiées, de mélo appuyé et d'humour froid. Mais ce qui impressionne surtout ce sont les scènes de fusillades, tournées comme des ballets contemporains. Les gestes de Chow Yun-Fat, flingues en mains, seront ensuite reproduits par tout un pan du cinéma américain, nourri à la sauce asiatique (Quentin Tarantino en tête, bien sûr).

Date: 1989

La discrète

Réalisateur: Christian VINCENT

avis: ★★★★★★

En réalisant ce marivaudage élégant et en consacrant véritablement Fabrice Luchini, Christian Vincent se glisse volontairement dans les pas d’Eric Rohmer. Mais si les films de Rohmer souffrent parfois d’un jeu d’acteurs bancal, cette petite machination théâtrale est portée par le jeu raffiné et malicieux de Luchini, qui transcende le film. Avec cet écrivain pédant et manipulateur, il invente son personnage de dandy romantique et cynique qui se complaît dans ses propres constructions oratoires.

Date: 1990

La double vie de Véronique

Réalisateur: Krzysztow KIESLOWSKI

avis: ★★★★★★

Après une oeuvre en dix fragments pour la télévision intitulée Le Décalogue, qui le fit connaître hors de Pologne, Kieslowski revient avec ce film mystérieux. Sur le thème très littéraire du double, le réalisateur tisse un film qui est la conceptualisation formelle de sa double identité artistique (polonaise et française). Envoûtant et onirique, par moments opaque, La double vie de Véronique est un film au chromatisme affirmé, nappé de jaunes et d’orangés saturés.

Date: 1991

Petits Arrangements avec les morts

Réalisateur: Pascale FERRAN

avis: ★★★★★★

Petits arrangements avec les morts est d'abord un film sur la mémoire et une réflexion en filigrane sur la mort. Mais c'est aussi un magnifique film sur la plage et sur l'écume des souvenirs. La réalisation est à la fois distanciée et humaine, ce qui donne au film une justesse et une originalité assez rares dans le cinéma français de l'époque.

Date: 1993

Ed Wood

Réalisateur: Tim BURTON

avis: ★★★★★★

En rendant hommage à un réalisateur de films de science-fiction de séries Z, Tim Burton offre un nouveau portrait d'homme à la marge de la société, après Pee Wee, Edward et, dans une certaine mesure, Batman. Mais c'est avant tout un chant d'amour adressé au cinéma. Plastiquement superbe, c'est un film bouleversant.

Date: 1994

Chungking express

(重慶森林)

(The Sweet Hereafter)

(洞, Dòng)

(살인의 추억)

(The Departed)

Réalisateur: Christophe HONORE

avis: ★★★★★★

Ce film a un charme fou et laisse en nous une empreinte profonde. Christophe Honoré adapte "La princesse de Clèves" et transpose cette ronde des sentiments dans un lycée parisien. Les dialogues sont merveilleux, la bande son idéale et les paysages hivernaux distillent une douce mélancolie. Ce n'est sans doute pas le film le plus ambitieux du cinéaste, mais c'est son plus réussi.

Date: 2008

The Dark Knight : Le Chevalier noir

(The Dark Knight)

Réalisateur: Wes ANDERSON

avis: ★★★★★★

En redistribuant à chaque fois l’ensemble des motifs de son cinéma de maison de poupée, Wes Anderson donne parfois l’impression de tourner en rond. C’est sans doute le cas avec ce faux film d’aventure, et pourtant tout y fonctionne à merveille : perfection plastique, sens diabolique de la symétrie, décors colorés, personnages attachants et famille dysfonctionnelle, bien sûr. Wes Anderson est un grand conteur de petites histoires et un grand architecte de choses minuscules. Quand il s’amuse ainsi, en mode mineur, son cinéma est aussi palpitant que libérateur.

Date: 2012

La chasse

(Jagten)

Réalisateur: Paul VERHOEVEN

avis: ★★★★★★

Avec De Palma, Paul Verhoeven est un autre grand réalisateur de séries B. Il excelle également dans le film de genre. Celui-ci est une vraie réussite : vénéneux, ce faux polar déviant joue sur une palette de sentiments et de sensations contradictoires. Paul Verhoeven trouve en Isabelle Huppert, glaçante, l'actrice idoine pour incarner son cinéma malsain.

Date: 2016

Three Billboards : Les Panneaux de la vengeance

(Three Billboards Outside Ebbing, Missouri)

Réalisateur: Martin McDONAGH

avis: ★★★★★★

Un film de vengeance qui lorgne du côté des frères Coen : même sens de l’absurde, même empathie pour des personnages de losers, même manière de pulvériser les genres pour en faire un objet de pur cinéma.

Date: 2017

Get out*

Réalisateur: Jordan PEELE

avis: ★★★★★★

Une jeune fille blanche décide de présenter son fiancé noir à sa famille, lors d’un week-end à la campagne. Petit à petit, le malaise s’installe. Messes basses, regards torves, sous-entendus étranges : chaque moment semble de plus en plus tendu. Sur fond de racisme, ce film surprenant est un terrifiant film de genre, entre thriller de série B et film d'épouvante.

Date: 2017

Pentagon papers

Réalisateur: Steven SPIELBERG

avis: ★★★★★★

En 1971, un an avant l'explosion du Watergate, Meryl Streep et Tom Hanks se battent pour révéler un secret d'Etat dans les pages du "Washington Post". En lorgnant du côté des Hommes du Président, Steven Spielberg signe un formidable plaidoyer pour la liberté d’expression et un grand film féministe. Bien sûr, certains pourront reprocher au film d'être trop hollywoodien (Meryl Streep et tom Hanks, quand même !), trop didactique, trop prévisible, mais Spielberg s'en tient au minimum pour servir un sujet passionnant, et j'ai trouvé le film très réussi.

Date: 2017

Une affaire de famille

Réalisateur: Hirozaku KORE-EDA

avis: ★★★★★★

Comme Bong Joon-ho, ce cinéaste japonais interroge dans la majorité de ces films le concept de famille, mais de manière sans doute plus subtile et moins clinquante que son homologue coréen. Qu'est-ce qu'une famille, au-delà des simples liens du sang? On comprend rapidement que le voile d'incompréhension qui demeure quant aux liens familiaux entre les personnages de cette famille de brigands est volontaire. Le film est une grande réussite en raison notamment de l'émotion qu'il procure.

Date: 2018

Under the silver lake

Réalisateur: David Robert MITCHELL

avis: ★★★★★★

Ce film est une plongée délirante et paranoïaque dans la ville de Los Angeles. On retrouve dans ce faux thriller et vrai film d'ambiance les influences de David Lynch et des romans de Bret Easton Ellis. A partir de la disparition d'une jeune femme, le cinéaste surdoué de sa génération tisse un récit ambigu et inquiétant, mais qui contient aussi une bonne dose d'humour tordu. C'est un film sur la jeunesse californienne, le cynisme, mais aussi et surtout un film qui rend hommage au cinéma.

Date: 2018

Parasite*

(Gisaengchung)

Réalisateur: BONG JOON-HO

avis: ★★★★★★

Film social, thriller horrifique, film à suspense : Parasite est tout cela à la fois. C'est aussi et surtout une grammaire du cinéma d’une précision et d’une virtuosité diaboliques : les plans à la géométrie soignée sont coupés au couteau, le contraste entre les deux familles est symbolisé par des différences chromatiques et des oppositions fortes (le bas/le haut, le chaud/le frroid...) C’est aussi sans doute la seule limite du film : tout y est tellement surligné que le film peut donner l'impression de se satisfaire de lui-même.

Date: 2019

The Kid*

Cadet d’eau douce

The cameraman*

Un chien andalou*

Les lumières de la ville*

M le maudit

King Kong*

Soupe au canard

Les 39 marches*

Les temps modernes*

La grande illusion*

Monsieur Smith au Sénat*

Ninotchka

The shop around the corner

L’assassin habite au 21*

Le Corbeau*

Le ciel peut attendre*

Laura*

La poursuite infernale

Ève

L’inconnu du nord express*

Chantons sous la pluie

L’affaire Cicéron

Él

Fenêtre sur cour*

Nuages flottants

Sueurs froides

Mon oncle*

La soif du mal

Pickpocket*

La mort aux trousses*

Bonjour

Mirage de la vie

L’avventura

Le trou*

À bout de souffle

Psychose*

L’année dernière à Marienbad

Le goût du saké

Le mépris

Les Oiseaux*

Entre le ciel et l’enfer

Muriel ou le temps d'un retour

Pas de printemps pour Marnie*

The servant*

Embrasse-moi idiot

Répulsion*

Le bonheur

Masculin Féminin

Le deuxième souffle*

La Party*

2001, l'Odyssée de l'espace*

Il était une fois dans l’Ouest*

Le plongeon

Rosemary’s baby*

Faces

Que la bête meure*

Les Damnés*

Les chiens de paille*

Deep end

Trafic*

Cris et Chuchotements

Les larmes amères de Petra von Kant

Mean Streets

Une femme sous influence*

La balade sauvage

Vincent, François, Paul… et les autres*

Alice dans les villes

Les Dents de la mer

Carrie au bal du diable*

Taxi driver*

Annie Hall*

Suspiria

L’homme qui aimait les femmes

L'Ami américain

Manhattan*

Buffet froid*

Apocalypse Now

La drôlesse